Las más buscadas por la Interpol

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  La recopilación y el intercambio de información son sin duda un aspecto central en la problemática sobre el robo de obras de arte en el mundo. Si bien la delincuencia especializada en bienes culturales afecta las más variadas regiones, las cifras y estadísticas no siempre se mantiene al día, de ahí que llame la atención que organismos como el INTERPOL (www.interpol.com) tenga un rubro dedicado al robo de arte.
  
  Pues si bien el artículo cuatro del Convenio de UNIDROIT que data de junio de 1995, establece que para determinar si el poseedor actuó con la diligencia debida, se tendrán en cuenta aspectos como los siguientes: todas las circunstancias de la adquisición, en particular la calidad de las partes,
  el precio pagado, la consulta por el poseedor de cualquier registro relativo a los bienes culturales robados que existan asi como cualquier otra información y documentación pertinente que hubiese podido obtener, así como la consulta de organismos a los que podía tener acceso
  
  De ahí que basándose en este Convenio, Interpol editara un DVD sobre obras de arte robadas, con información que los países miembros le han notificado a la Secretaría General, para como señalabamos desde el inicio de este articulo permitir la divulgación de la piezas robadas, y si bien no existe información de que este material se encuentre en las distintas policías y servicios aduaneros del país y dada la demanda que el arte llamado sacro tiene en México, pero no solo estas instancias deberían conocerlo sino a museos, casas de subastas, anticuarios, coleccionistas y, en general a los interesados en el arte y el patrimonio. El material ofrece información sobre unos 31.500 objetos artísticos y bienes culturales, como por ejemplo, pinturas, esculturas o tapices, que pueden localizarse con diversos criterios de búsqueda: el título de la obra, el nombre del artista, la descripción de la obra, sus dimensiones o la técnica empleada para su realización, y puede consultarse en inglés, francés o español.
  
  
  Si bien el tema para el caso de México parece estar acotado a la nota roja, y hasta a la noticia de anécdota, recientemente en León, estado de Guanajuato diversas iglesias se han quedado sin campanas, quedando en solo un dato más en las inexistentes estadísticas de los institutos e instancias encargadas de su registro. ¿Hasta cuándo?
  

Salvador Pinoncelly: arquitectura, luz y palabra

Algunos años atrás he escuchado acerca del Curso Vivo de Arte, desconozco si existe reseña alguna de su trabajo, de quiénes participaban y el recorrido de sus investigaciones. Precisamente en esta historia oral que se me ha transmitido, escuche por vez primera el nombre de Salvador Pinoncelly (Torreón, Coahuila 1932-2007), y no sólo eso, sino de que fue fundador del grupo Polignós –nombre por el inventado, y que da referencia a un cercano grupo de colaboradores con doble carrera Ramón Vargas, estudiante de arquitectura y filosofía, Alberto Híjar, estudiante de química y filosofía y el pintor y psicólogo José de Jesús Fonseca. - posteriormente también sería uno de los fundadores del Curso Vivo de Arte; “organizado no solo por épocas, tendencias y creadores de la historia de las artes visuales, sino actualizada a partir de la discusión con visitas guiadas a cárceles, hospitales, escuelas, templos, mercados, casas.”[1]

Pinoncelly, ingreso a la Escuela Nacional de Arquitectura en la antigua Academia de San Carlos, estudio pintura, escultura y modelado con el escultor Fidias Elizondo, y paisaje con Armando García Núñez, desarrollando fundamentalmente la pintura no figurativa, y muchas veces la abstracción total, fue merecedor del premio del Salón Estudiantil de la UNAM.

Se incorporo al Departamento de Arquitectura del INBA, trabajando entre otros con Ramón Vargas y Ruth Rivera, en ese entonces directora del mismo, fue colaborador de la revista Urbe, otrora suplemento de urbanismo que editaba Excelsior con la dirección del arquitecto Enrique Cervantes, de la revista Calli y más tarde de Arquitectos de México, donde aborda desde crítica teórica hasta su necesaria reflexión histórica.

Desarrolló una gran capacidad para el vitral, cuyo contenido sería capaz de cubrir enormes claros gracias a su saber arquitectónico y al cálculo en colaboración con el acuarelista Ortiz, mismos que podemos observar en la exposición organizada por la Dirección de Arquitectura y Conservación del Patrimonio Artístico Inmueble bajo la coordinación de Ramón Vargas y la curaduria de Gabriel Herrera, Salvador Pinoncelly: arquitectura, luz y palabra con un cumplido montaje en formatos que tan particular espacio ofrece, lo que nos permite apreciar y conocer a través de cuarenta y cinco de sus proyectos, algunos de los vitrales, así como una serie de publicaciones que incluyen desde artículos, ensayos, libros, y algunos de sus trabajos pictóricos más representativos, un mural original, un video y un muy bien impreso catálogo.

Al igual que una necesaria compilación, registro e inventario del Curso Vivo de Arte, los múltiples artículos que a lo largo de décadas publico Pinoncelly, acerca de arquitectura y urbanismo, así como el testimonio de su trabajo como vitralista, dibujante, muralista y escultor realizado durante su trayectoria en institutos, empresas y publicaciones, así como su no menos importante aporte -a reconsiderar por arquitectos y estudiosos- sobre su posición ante las llamadas artes decorativas, que en 1925 tuvieran una importante presencia y, cuyo vestigio puede documentarse en algunas zonas de ciudad, se hacen necesarios, principalmente cuando la cultura promovida por Consejos e Institutos manifiesta una falta de plan general que tutele más allá del resplandor demagógico, y cuando acontecimientos culturales que dan forma y cuenta de la necesidad del dialogo también desde la estética, pasarán desapercibidos ante la sistémica ignorancia de los funcionarios.

Salvador Pinoncelly: arquitectura, luz y palabra se puede visitar en el Museo Nacional de Arquitectura, ubicado en el Palacio de Bellas en la ciudad de México del 12 de junio al 5 de octubre.

[1] Hijar, Alberto. Pinoncelly. México: 2007

Javier Astorga, escultor

Hacia una ecología de la mente: esculturas de Javier Astorga

Cabe preguntarse que es la ecología, y sobre todo cómo ser ecológico en la era de la globalización industrial y del violento arrasamiento que forjamos contra la naturaleza, precisamente cuando el oikos griego, cuyo significado es “casa o lugar donde se habita” corre el riesgo de enfrentar su límite.

Si bien en la actualidad resulta un tema que preocupa e interesa a una población cada vez más participativa en torno a cuestiones como el calentamiento global, la crisis alimentaria o la escasez de combustibles, llama la atención que un artista visual titule su muestra Hacia una ecología de la mente. Y proponga desde su propia praxis artística, revirar la mirada y la reflexión a través de piezas escultóricas con las que marca su postura y se involucra con su entorno vital, su casa-taller, la ciudad de México, y los distintos países que a lo largo de su trayectoria ha frecuentado para realizar piezas de formato monumental, sea en las modernas ciudades de la milenaria China, Dubai, Korea o el Alto en la majestuosa Bolivia, hoy acosada con transnacionales que comercian con su reservas energéticas.

Propone desde su trabajo artístico un dialogo de culturas, develando lo profundo de las raíces de su obra, realizada con preceptos que van de la estatuaria Huasteca a la contemporaneidad del metal con que visibiliza el espíritu mesoamericano, que lo conforma.

Javier Astorga trabaja a la distancia de las modas que el mainstream agita en el mundo del arte, acumula pequeños hallazgos que su impronta estética le exigen al transitar continental de sus viajes, para tejer su propuesta con lo sutil de sus pensamientos más íntimos cuando en la soledad de su quehacer cotidiano enfrenta a la materia y la transforma.

Astorga observa, palpa, y mide con detenimiento cada uno de las piezas que conforman su acervo visual para involucrar e intervenir en el otro, no como autoreferencia de un cosmos personal, sino para construir una perspectiva de conjunto que guíe el accionar colectivo.

Y nos recuerda a Foucault cuando en su Hermenéutica del Sujeto, privilegia la noción de Epimeleia heautou (cuida de ti mismo) sobre la prescripción délfica Gnothi heautou (conócete a ti mismo), de manera que la segunda opere en función de la primera, y de esta manera Astorga desde su propuesta artística propone cuidar también ese oikos que nos resguarda, y a la manera de Foucault pone el énfasis en la transformación por la que el sujeto debe pasar para vivir su verdad y poder expresarla.

La muestra Hacia una ecología de la mente se presento en la explanada y vestíbulo de Rectoría de la Universidad Pedagógica Nacional, ciudad de México del 29 de mayo al 18 de junio, bajo la coordinación de Victorina Reyes, un esfuerzo encomiable de las autoridades universitarias, ya que la difusión de obra escultórica requiere una logística distinta a las exposiciones de formato plano.

El ojo de Mondrian

FONDATION CARTIER POUR L´ART CONTEMPORAIN

En 1984 se creo la Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo, entidad dedicada a apoya y a facilitar el desarrollo de diversas manifestaciones del arte actual y a fomentar la conciencia en el publico de estas expresiones artísticas, a decir de Bernard Formas- ex infante de la marina, su pasión: relojes y coches antiguos, actualmente Presidente de Cartier, para quien”hace veinticinco años, pocas personas sabían del arte contemporáneo, pero ahora está de moda” (subrayado mío).
Creada como una iniciativa de Alan Dominique Perrin, -presidente de Cartier Internacional-, se inaugura en octubre de 1984 en Louy-en-Josas con el propósito de apoyar el arte contemporáneo y permitir el acceso del público al mismo. Con un espacio creado por el arquitecto Jean Nouvel, y concebido como un instrumento donde los artistas pueden crear y exhibir sus trabajos, se ha convertido en un centro con todo tipo de formatos de expresión artística (no menciona de que manera).
Si bien el mecanismo de cómo desarrollar su objetivo se centra en que Cartier cuenta con una de las formas más originales de sponsor corporativo en Francia. Entre los artistas que ha expuesto su obra están: César, Jean-Pierre Raynaud, Raymond Hains y Marc Couturier. El espíritu que encierran estas exposiciones y los conocidos Nomade Nuits son esperados año tras año con gran expectación por parte del público. Sin embargo, parece que Latinoamérica todavía no entra en la orbita de sus itinerancias de promoción del llamado arte actual, a menos que viaje usted a el Pabellón que Cartier durante el Art Basel, de Miami, no veo como participar de tan interesante fundación! Dejo para otra nota el tema de los llamados sponsor corporativos.